LE MUSÉE
Serralves – Museu de Arte Contemporãnea 

Serralves  s’est donné pour mission de promouvoir l’art contemporain et de  favoriser son accès au plus grand nombre. D’expositions temporaires en  itinérantes, de spectacles en concerts, de lectures en projections, son  musée présente depuis 1999 un large panorama de l’art contemporain  depuis les années 1960 jusqu’à la création actuelle, qu’elle soit  émergente ou confirmée. Outre sa collection, réunissant plus de quatre  mille pièces, ouverte sur tous les styles et techniques, il assure  également une importante mission pédagogique (par le biais de colloques,  de projets éditoriaux, etc.) et s’engage activement dans la diffusion  de la danse contemporaine, de la musique et de la performance dans  l’auditorium et les autres espaces du musée. Aménagé au cœur de la  prestigieuse Casa de Serralves, il organise en effet la rencontre de  l’art, de l’architecture et des idées à travers une programmation aussi  exigeante que consciente des enjeux de l’époque. Son projet développe  ainsi une réflexion critique où l’art est interrogé à travers le prisme  de la globalisation et de la pensée postcoloniale, lui assurant d’être  solidement ancré au cœur de l’actualité. La curatrice Cristina Grande,  qui est chargée de la danse et de la performance au sein du musée, a par  ailleurs contribué à en faire un des foyers culturels les plus actifs  du paysage portugais dans le domaine des arts performatifs  contemporains. Elle a fondé avec une équipe de curateurs le programme  annuel « The Museum as performance » et développe une plateforme qui  depuis 2015 organise la rencontre entre arts visuels et arts vivants. 

Source : programme du CND

Performeurs  et chorégraphes portugais, Sofia Dias et Vítor Roriz ont initié leur  travail de duo en 2006 et sont présentés aujourd’hui dans toute  l’Europe.
Ils participent aux créations de Catarina Dias, Lara  Torres, Marco Martins, Clara Andermatt, Mark Tompkins et Tiago  Rodrigues. Leur travail parcourt des territoires inattendus du corps  tout en cherchant sa relation à la parole, au discours. À travers un  découpage extrêmement précis de scènes dans lesquelles le langage parlé  et musical est partagé avec une gestuelle découpée au laser, ils créent  une forme insolite et virtuose. Dans le cadre de L’invitation aux musées  ils ont été invités par Francisco Tropa à activer sa sculpture Le  Perchoir du Goëland avec leur pièce Choses sans ombre. 

Formé  à l’Ar.Co, école d’art indépendante de Lisbonne où il enseigne la  sculpture entre 1996 et 2007, Francisco Tropa a complété ses études au  Royal College of Arts à Londres et à la Kunstakademie de Münster.  Considéré comme l’un des plasticiens portugais les plus doués de sa  génération, il développe depuis le début des années 1990 une œuvre  réticulaire, complexe et inventive qui interroge la mémoire, le temps,  l’histoire, la mort ou le rapport de l’homme au cosmos.

Principalement  axée autour de la sculpture, son œuvre se décline également sous forme  de peintures, de dessins, de photographies, de projections et de  performances, assemblés dans des installations polymorphes. Dans des  œuvres de prime abord énigmatiques, à plusieurs entrées, il se joue des  systèmes de signes et de symboles pour mieux mettre en question les  représentations du monde qu’ils informent. Son imaginaire, aussi  digressif que proliférant, cherche ainsi à déconstruire les grands  récits collectifs, qu’ils soient de l’ordre du scientifique, du  politique ou du religieux, pour y substituer des hypothèses fantaisistes  qui élargissent le champ des possibles. 

Nourri  de littérature, d’histoire de l’art, de philosophie et de sciences,  Francisco Tropa livre une lecture critique des discours de vérité,  portée par une vision poétique et un goût certain pour le faux-semblant.  Il déploie ainsi des narrations spéculatives dont le sens, auréolé de  mystère, se dévoile plus qu’il ne se donne. Décliné en plusieurs volets,  son cycle « TSAE (Trésors Submergés de l’Ancienne Égypte) » en est  l’illustration même, conçue comme une vaste fresque archéologique,  support d’une cosmogonie fictive qui reconsidère le récit des origines.  L’audace formelle de son œuvre en renforce la théâtralité, l’aspect  scénique sinon scénographique par lequel il informe un monde en  trompe-l’œil où la matière se transforme au même rythme que ses  évocations. 

Francisco  Tropa a représenté le Portugal à la Biennale de Venise en 2011, a  participé à la Biennale de São Paulo, à la Biennale d’Istanbul et à  Manifesta. Depuis 2013, il est régulièrement invité par des institutions  en France, parmi lesquelles le Palais de Tokyo à Paris, la Verrière,  Fondation d’entreprise Hermès, le Mrac de Sérignan ou le Grand Café à  Saint-Nazaire. Ses œuvres ont intégré différentes collections privées et  publiques à travers le monde.
Francisco Tropa est représenté en France par la Galerie Jocelyn Wolff (Paris). 

Depuis 2001, le Centre national de la danse (CND) réalise des captations de ses programmations de spectacle et de pédagogie et crée des ressources à partir de ces représentations filmées (interviews, conférences dansées, rencontres avec des artistes, démonstrations, grandes leçons, colloques spécialisés, montages thématiques, etc.).