Entrée d'Apollon

Lo que en la actualidad denominamos «danza barroca» no es más que la recuperación de la Belle danse que practicaban los nobles y cortesanos desde el siglo XVI y que es el origen del ballet clásico occidental. En esa época, solo la practicaban los hombres. De hecho, la danza tenía un hueco importante en la educación de los caballeros de la época. Esto se debía a que potenciaba la agilidad, por lo que les preparaba para el combate. También garantizaba la postura y la elegancia corporal que exigía adoptar la aristocracia. El propio Luis XIV, que era un gran bailarín, tomaba cada mañana clases de danza antes de salir a cazar. En la década de los setenta, Francine Lancelot comenzó a restaurar este patrimonio coreográfico. Y el bailarín estrella Jean-Christophe Paré se encargó de revivir una de sus muchas coreografías. A lo largo de los siglos que transcurrieron a continuación, el ballet no ha parado de evolucionar y, durante el Romanticismo, otorgó un papel preponderante a las bailarinas.

Swan Lake – Marius Petipa

En un paso a dos clásico, como en éste del segundo acto del Lac des cygnes, el bailarín está ahí simplemente para sostener a su pareja. Esto permite a la bailarina realizar arabesques y développés extremos, y el bailarín se retire cuando ella pueda realizar la figura por sí sola. El bailarín contribuye a poner en relieve el virtuosismo de su pareja. El paso a dos, comporta también algunas secuencias en las que el bailarín puede hacer gala de todo su talento. Igualmente, la historia parece inclinarse hacia el personaje femenino, cuya naturaleza ambivalente queda expuesta. La blanca y pura Odette tiene su contrapunto en la negra y maléfica Odile. Sin embargo, otros coreógrafos han ofrecido una relectura posterior de este famoso ballet. Rudolph Noureyev sitúa el príncipe en el centro de la obra y le confiere un interés coreográfico.

Tango vivo – Union Tanguera

Podríamos describir la relación que el tango representa como «tumultuosa». La danza se organiza alrededor del desequilibrio de los miembros de la pareja que se aferran o se alejan. Esta tensión permanente evoca inevitablemente la pasión amorosa. Como atestiguan estos extractos de Tango Vivo, un espectáculo de la compañía Unión Tanguera. De cualquier modo, siempre es el hombre el que dirige, y la mujer la que sigue. Este esquema arquetípico destaca los rasgos viriles del bailarín, en contraposición a las virtudes femeninas de su pareja. Este caminar en el que los pasos de uno se entrelazan con el del otro, queda embellecido por figuras llenas de erotismo. Esta sensualidad tan marcada no pasó desapercibida para los moralistas, que montaron en cólera con la llegada del tango a Francia, en 1905.

Che Malambo – Gilles Brinas

El «malambo» es un tipo de danza que tiene también su origen en Argentina. Practicada tradicionalmente por los gauchos, pone a prueba la resistencia rítmica y física de los protagonistas a través de sus vigorosos zapateados. Che Malambo reúne, de este modo, a catorce bailarines que se mueven con la impetuosidad propia de una multitud salvaje. Tienen un aire salvaje, con el torso erguido. Mientras lanzan gritos de valentía, continúan sin parar con sus furiosos zapateados. En esta danza queda reflejado todo el temperamento salvaje de los pastores, galopando por la Pampa.

Odissi - Madhavi Mudgal

El arte de Madhavi Mudgal ofrece un sorprendente contraste. Odissi, de la que ella es una de sus más brillantes intérpretes, es una danza femenina. La que era antaño dominio exclusivo de las bailarinas del templo de Orissa, un estado al noreste de la India, es hoy en día uno de los principales estilos de la danza clásica india. Se caracteriza por los taconeos, que se efectúan siguiendo una estructura rítmica codificada, así como por la flexibilidad del torso y de los brazos, que ondean con delicadeza. El cuerpo dibuja así unas curvas de sensualidad refinada. En toda su redondez, Odissi es la expresión de la gracia y de la feminidad.

Welcome to Paradise - Joëlle Bouvier y Régis Obadia

En Welcome to paradise, una obra de culto del repertorio contemporáneo de finales de los ochenta, Joëlle Bouvier y Régis Obadia describen los estados sucesivos por los que atraviesa una pareja. Los dos coreógrafos y bailarines saben de lo que hablan, ya que forman una pareja muy compenetrada tanto en la vida real como sobre el escenario. En el escenario, se arremolinan como barcos a la deriva, se buscan, se alejan y se acercan con el entusiasmo propio del deseo. No existe una trama narrativa en este largo paso a dos. Se trata más bien de una escritura coreográfica procedente de una sucesión de planos, como en el cine, al que la obra hace múltiples alusiones. Un porté en el que la bailarina parece volar, sugiere el éxtasis amoroso. Unos instantes más tarde, otro muy similar alude a una ruptura dolorosa, que no se acepta.

Blue lady – Carolyn Carlson

En el solo Blue Lady que es ya mítico por la manera en que marcó a los espectadores, Carolyn Carlson delinea las diversas edades y estados de ánimo de una mujer. Como ella misma dijo, intentaba desvelar las mil y una facetas de su identidad. Sin seguir necesariamente un orden cronológico, la coreografía evoca la eclosión a la vida, la ligereza y el regocijo de la infancia, el misterio de la maternidad y el envejecimiento que va haciendo el cuerpo cada vez más pesado y que va ajando el gesto.

Blue lady [revisited] – Carolyn Carlson y Tero Saarinen

Tras muchos años interpretándola, Carolyn Carlson estuvo buscando a una bailarina a quien dejar en herencia Blue lady. Pero el proyecto no pudo culminarse de este modo. Finalmente, la artista se dirigió a Tero Saarinen, un bailarín finlandés ¿Confiar la autobiografía bailada de una mujer a un hombre? La idea resultaba bastante grotesca. Empezando por que los dos artistas presentan una corporalidad muy diferente. Así, se hizo necesario proceder siguiendo una perspectiva distinta: la de adaptar la obra original. Al no reproducir de manera idéntica la coreografía, sino mantener sus principios dinámicos, ocupando plenamente el movimiento típico de Carlson, el bailarín consigue devolver al universo interior femenino. Blue Lady Revisited ofrece una reflexión magistral sobre el trabajo del intérprete coreográfico.

Corps est graphique – Mourad Merzouki 

Para una mujer, apenas había hueco en el mundo del hip hop en sus inicios. Mourad Merzouki opta por abordar este tema al percatarse de este tipo de discriminación. En su obra Corps est Graphique, invita a cuatro bailarines y a cuatro bailarinas a que compartan escenario, a que confronten sus respectivas características para demostrar, finalmente, que la apuesta coreográfica y la intención estética están por encima de la identidad sexual de los intérpretes. La confrontación, la agilidad, el físico y la destreza, de los que hacen gala todos y todas no son, en ningún modo, dominio exclusivo de lo masculino.

The dance of nothing - Liat Dror y Nir Ben Gal

El ostracismo y la segregación son el eje central de las preocupaciones de Liat Dror y Nir Ben Gal. Estos dos grandes exponentes de la danza en Israel colaboran en The dance of nothing, un manifiesto para la paz en Oriente Próximo. Evocando la historia de amor prohibida entre una palestina y un israelí, los bailarines, hombres y mujeres, llevan a cabo, juntos, la misma coreografía. Cada uno, en función de su sensibilidad, sin preocuparse por su homogeneidad. De esta diferencia en la similitud se desprende la idea de que, a pesar de las particularidades de nuestro sexo, de nuestra cultura y de nuestra religión, todos pertenecemos a la gran familia del género humano.

DUROSOIR, Georgie. Les Ballets de la cour de France au XVII° siècle : les fantaisies et les splendeurs du baroque. Suisse : Papillon, 2004. 160 p. 

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Anne Décoret-Ahiha es antropóloga de danza, doctora de la Universidad Paris 8. Oradora, formadora y consultora, desarrolla propuestas sobre la danza como recurso educativo y diseña procesos participativos que movilizan la corporalidad. Ella anima el "Calentamiento del espectador" de la Casa de la Danza.